Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio

En este nuevo comentario sobre cine voy a comentar la película “Las aventuras de Tintín y el secreto del unicornio”, basada en uno de los cómics más famosos de Hergé.

La película está dirigida por Steven Spielberg y producida por Peter Jackson, dos grandes del cine. A Spielberg siempre le han gustado las aventuras, y en esta película se nota bastante. Me encanta que haga todo tipo de películas y tan bien llevadas y dirigidas. En este caso Peter Jackson no aporta prácticamente nada más que algunas opiniones sobre la realización de la película y contribuciones tecnológicas, sin embargo en unos años sacarán la segunda película y esta vez estará dirigida por Peter Jackson y será Spielberg el productor.

Los actores que participan son Jamie Bell (Tintín), Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, etc… Sin embargo no se les ve físicamente, ya que es una película de animación, pero están grabados sus movimientos para el movimiento de los personajes, lo cual aumenta la realidad a la película, aunque parezca increíble para una película de animación.

La tecnología de captar el movimiento y posteriormente cambiar el aspecto del actor para dar el aspecto del personaje que se quiere interpretar es uno de los grandes descubrimientos del cine y que aporta muchísimo para este tipo de películas. Se pudo ver con Andy Serkis haciendo de Gollum y disfrutando del personaje gracias a esa realidad que da al movimiento, y no realizar todo por la tecnología, que puede parecer muy real debido al gran desarrollo que existe, sin embargo nunca conseguirá ser igual que el movimiento de un humano. En este caso todos los personajes están hechos de esta manera y el acabado en la película es brillante.

La película es extremadamente entretenida, basada en un cómic pero no hay momento de pausa en la hora y media que dura. Me parece un gran acierto el no alargar la película las dos horas de rigor, eso habría convertido a la película en muy pesada y produciendo aburrimiento al espectador.

El aspecto visual es extraordinario, se han trasmitido los mismos colores y movimientos del cómic a la película y realmente parece que estés  viendo un cómic animado. Spielberg está convirtiéndose en un director cumbre de aventuras (realmente ya lo es hace tiempo), y además con la ayuda de Peter Jackson, el cual destaca con la gran tecnología utilizada en el Señor de los Anillos. La pareja de ambos hace que el aspecto visual sea de sobresaliente.

Como parte negativa de la película, en los cómics Tintín siempre se encontraba con determinadas situaciones que las conseguía esquivar con realismo y con actuaciones que podrían ocurrir en la vida real, sin embargo en la película no están muy bien representados estos temas, ya que nos encontramos con situaciones imposibles de existir en la realidad, véase la escena de la avioneta. Este es el punto que me parece se han excedido para desvincularse de alguna manera del cómic.

Concluyendo, nos encontramos ante una película muy entretenida y agradable para ver. Sin duda te hará disfrutar, tengas la edad que tengas, y te hará sentir buenas sensaciones gracias al sobresaliente aspecto técnico. Aun así, existen puntos flojos que espero mejoren en la segunda parte, como el del realismo.

Mi nota: 8,5

Los miserables

En este nuevo análisis sobre cine voy a comentar la película de “Los miserables”, la versión de 2012.

Esta nueva versión de Los Miserables está dirigida por Tom Hooper, el cual eligió un reparto espectacular. Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway como las grandes estrellas y Samantha Barks como la actriz novel (elegida para este papel por la gran actuación que hace en el musical “The Miserables”).

La representación de los actores es muy destacable. Empezando por Anne Hathaway, la mejor actuación, realmente emociona y consigue despertar tu vena triste y empatizar con ella. Hugh Jackman es el que está detrás de ella en cuanto a la calidad de la actuación, se le nota suelto y además cumple cuando canta. Russell Crowe es el que más flojea, no se le nota muy centrado en la película, tal vez porque no domine el aspecto musical y esté algo nervioso. Luego están Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter, que cada vez que aparecen destacan mucho y se les nota muy cómodos en las escenas musicales, se nota que saben lo que están haciendo gracias a la experiencia que ya tienen en las películas musicales. Pero aun así, la que más me gusta es Samantha Barks, la cual es realmente cantante y se nota muchísimo, la que domina cada escena en la que canta.

La película, en general, está bastante bien. Lo mejor es la historia en sí, aunque es igual que el famoso musical “The Miserables” basado en un libro, pero aun así el guion y la historia está bien. El hecho de que las canciones se canten en directo y no en estudio es también un gran acierto. Lo que ya no está muy correcto es el director, Tom Hooper. Se le nota muy abusón de los planos cortos, cada vez que hay alguna canción utiliza muchísimos planos cortos para intentar mostrar el sentimiento de cada uno de los actores, pero sobran más de la mitad. También flojea al intentar todo el rato dominar la cámara, lo que acaba sobreponiéndolo y no consiguiendo este dominio que sí tienen otros directores, y por ello son unos grandes. Considero que Tom está situado en el tercer escalón de los grandes directores del cine actual.

El aspecto artístico es de lo mejor que he visto. Los escenarios están muy bien hechos y representados, está muy bien escenificado para una película que no está basada en la actualidad. Y mención especial para el diseño de vestuario, que lo ha llevado un español (Paco Delgado) y que lo hizo tan bien que estuvo a punto de llevarse el Oscar ese mismo año.

Para quien no conozca Los Miserables voy a contar un poco de que va la historia. En los Miserables se junta la política, el pueblo, la justicia y la religión. Trata de mostrar una historia de superación del pueblo francés ante represión a la que están sometidos, y para ello muestra la historia de Jean Valjean, el cuál es uno de los esclavos que tiene el pueblo francés. Es decir, se muestra la gran diferencia que hay entre las clases altas y el pueblo, que prácticamente no puede ni comer.

Concluyendo, nos encontramos ante una buena película y bien resuelta, sin embargo Tom Hooper tiene los mismos defectos que ya mostraba en “El discurso del Rey”.

Mi nota: Un 7.5 muy merecido, si Tom Hooper no tuviera estos defectos tendría un 9 fácilmente.

Trayectoria Quentin Tarantino (6ª y última parte)

En esta nueva entrada llegamos a la sexta y última parte sobre la trayectoria de Tarantino. Al principio pensé que en 2-3 artículos podría comentar su trayectoria entera, sin embargo ni mucho menos, al final he tenido que alargarme a seis entradas (y eso que he agrupado varias películas en la misma entrada). Esta entrada será un poco más larga de lo normal debido a que quiero comentar algunos detalles que han pasado desapercibidos.

En este último análisis sobre Tarantino voy a comentar su última película: Django Unchained. Al igual que ocurriría con Malditos Bastardos con los nazis, aquí se atreve a tratar otro de los temas más discutidos y más cuestionados de la historia mundial: la esclavitud. Nuevamente aporta su sello de identidad y se inventa una historia genial para cuestionar el tema, y sobre todo muy muy original, lo cual fue reconocido al ganar el Oscar al mejor guion original.

Es importante destacar que para esta película utiliza gran cantidad de recursos de los spaghetti western de la época dorada del western que tanto gusta a Tarantino. Concretamente de la película llamada de  la misma manera y dirigida por Corbucci en el año 1966, donde además el papel de Django es interpretado por Franco Nero, y Quentin contó con él para un pequeño cameo durante la batalla de mandingos.

Para esta cinta contrata otra vez a Christoph Waltz con un papel muy diferente al de Malditos Bastardos, consigue también a Jamie Foxx y Leonardo Dicaprio. Un reparto de lujo para una película brillante. Christoph Waltz consigue otra actuación memorable y ya entra en la historia al ganar dos oscars consecutivos en sus dos primeras nominaciones, además con el papel de “bueno” y no de malvado como en su anterior colaboración con Quentin.

Y el magnífico trabajo de Waltz nubla la magnitud del trabajo de Dicaprio. Leo realiza un trabajo rozando la perfección y el que posiblemente sea el mejor papel de secundario que ha realizado nunca, ya que de personaje principal siempre quedará para la historia su papel de Belfort en El lobo de Wall Street. Y es una gran injusticia que no le fuera reconocida la extraordinaria interpretación de villano, transmitiendo el asco y la malicia que conlleva su personaje y hasta interpretando la mejor escena de la película con un corte grave en la mano que, en palabras del equipo de la película, “casi pudo quedarse sin mano”. El último de los tres actores más conocidos, Jamie Foxx, no puede hacer nada más junto a estos monstruos interpretativos que espero nunca dejen la interpretación de lado.

A lo largo de la película se va desarrollando la historia del personaje de Jaime Foxx, que trata de recuperar a su mujer que ha sido comprada por el personaje de Dicaprio, y Schultz (Waltz) ayuda a Django a intentar recuperarla. Y a lo largo de la concatenación de escenas aparecen dos o tres escenas de pura comedia “Made in Tarantino”, de esas que no pueden faltar en cada uno de sus películas. Algunas de ellas son: los sacos con el KKK y, sobre todo, la escena final del tiroteo de Django contra los secuaces del señor Candie. No puede evitar Quentin meter una escena con excesiva sangre y muertes por doquier, ya me extrañaba mientras iba viendo la película que no apareciera esta escena perfecta. Y la escena es genial, está hecha para hacer reír al espectador y que no te deje un mal sabor de boca todo el tema de la esclavitud (que es bastante duro de ver).

Lo último a tratar sobre la película es el aspecto técnico y de dirección. Obviamente el talento de Quentin no decae en esta película y sigue dirigiendo de forma magistral, con templanza y paciencia en los diálogos y en la evolución de los personajes y sin ser abrupto en ningún momento. La técnica en la cámara y en el montaje sigue siendo perfecta, con los planos genialmente elegidos y no abusando de planos cortos que provocan un bajo entendimiento de la película al no vislumbrar más allá del personaje principal.

Concluyendo, nos encontramos con una película sobresaliente. No se hace en ningún momento aburrida aun sabiendo que roza las tres horas de duración. Es más, que dure estas tres horas hace que los personajes puedan evolucionar y tener el carisma que deberían tener todos los personajes en todas las películas.

PD: Destacar el gran trabajo de Samuel L Jackson, un gran papel haciendo de negro negrero. Irónico y original cuanto menos.

Y para acabar sobre la trayectoria de Tarantino me gustaría destacar algunos detalles: Todas sus películas tienen muchas frases míticas (debido a lo cuidado que tiene siempre el guion), siempre hay escenas made in Tarantino que no puede evitar hacer (las de extrema violencia y excesiva sangre) y siempre mima muchísimo las películas para obtener el máximo rendimiento y exprimir al máximo cada detalle (por ello saca una película cada 3 años).

Sigue así Quentin y, por favor, nunca dejes de hacer cine. Nunca dejes de hacer tu cine, el que nos gusta a todos y que tiene diálogos inolvidables.

Nota sobre las películas de Tarantino:

             Reservoir Dogs 9

             Pulp Fiction 10

             Jackie Brown 7,5

             Kill Bill (las 2) 8,5

             Malditos Bastardos 8,5

             Django Unchained 9

Trayectoria Quentin Tarantino (5ª Parte)

En esta quinta (y penúltima) parte sobre la trayectoria de Tarantino voy a analizar Malditos Bastardos, película donde Tarantino reinventa lo ocurrido en la segunda guerra mundial con Hitler y los judíos.

El argumento de la película tiene dos partes diferencias: la venganza de Shosanna Dreyfus, que ve como un coronel nazi asesina a su familia, y el ataque al bando alemán por un grupo de judíos liderado por el teniendo Aldo Raine (el cual no es judío). Pero ambas partes tienen en común el mismo objetivo: Matar a Hitler.

Odio parecer repetitivo, pero es que es inevitable ante una película de Tarantino. Nuevamente domina con una maestría tremenda la dirección de la película, sin dar lugar a altibajos en todo momento. Empieza la película con una escena desgarradora y acaba la película de la misma manera. Lo más destacable es la evolución que ha conseguido Quentin en el aspecto artístico, una de las partes que no realizaba de manera perfecta (aunque sí muy notable) y aquí consigue evolucionar hasta casi la perfección.

En esta película, al ya tener Quentin una fama consagrada en el cine mundial, consigue rodearse de un reparto magnífico, comandado por Brad Pitt y Christoph Waltz, y seguido por Michael Fassbender, Diane Kruger, Eli Roth y Mélanie Laurent.

Hasta ahora no había comentado prácticamente nada en el resto de artículos sobre las actuaciones de los actores, y esto es porque hasta esta película no consigue sobresalir de manera destacable ningún actor (mentira, en Pulp Fiction el papel de Samuel L Jackson es terrible), pero en esta película nos encontramos con la aparición de un actor que ya es de los mejores actores en activo del mundo: Christoph Waltz.

Grandísimo descubrimiento que ha conseguido Quentin al elegir a este actor, además con el papel de villano, a lo que le doy todavía más valor. Waltz con el papel del coronel Landa consigue, literalmente, dar asco. Te dan unas ganas de estrangularlo y hacerle sufrir en todo momento que aparece en pantalla con su arrogancia, nula empatía y su disfrute matando gente. Y todo esto lo consigue por su perfecta interpretación (un 10 se queda corto), reconocida con la infinidad de premios que se llevó ese año. Además de Waltz también es de agradecer ver a Brad con una interpretación buena, acorde a su personaje, y no interpretando papeles facilones para atraer al público femenino.

Analizando más a fondo la película hay dos temas muy destacables: el guion y el aspecto técnico. No es nuevo saber que los guiones de Tarantino son siempre un diamante en bruto, analiza cada detalle para cuadrar sus ideas. Por intenet puede encontrarse el guion original (creo que hasta hay un libro de él), echad un vistazo y descubriréis lo perfecto y meticuloso que es al escribir. Nunca me cansaré de los largos diálogos en sus películas, sin duda su plato fuerte junto con el aspecto técnico.

En la técnica es destacable el montaje de la película. No es nada fácil mezclar dos historias diferenciadas cuyo final es el mismo, hay que tratarlo bien para que no maree al espectador y no sepa cómo avanzan las historias (lo cual ocurre en Man of Steel, entre otras), y estudiar muy bien los caminos para que al final acaben "juntándose" estas historias. También cuida mucho los detalles técnicos en los cambios de planos mostrando lo que desea mostrar, sin abusar en las escenas de acción con giros de cámara.

Concluyendo, no es la mejor película de Tarantino, sin embargo sí que es en la que se muestra mayor evolución en la técnica. Es muy buena cinta y hay que destacar la perfecta actuación de Waltz y la gran mezcla entre los temas bélicos, comedia y ficción (no olvidemos que la historia es inventada).

Titanic

En esta nueva entrada voy a comentar la segunda película más taquillera y una de las más polémicas de la historia, Titanic, dirigida por James Cameron, el cuál ostenta las dos películas más taquilleras (Avatar y Titanic).

Para empezar cabe destacar que no podemos valorar esta película desde un solo frente ya que nos encontramos con infinidad de apartados, algunos brillantes y otros no tan brillantes. Injustamente, a la película le llueven palos por parte de un determinado sector cinéfilo que simplemente valora el aspecto de guion e historia desarrollada, y por otra parte, aparecen alabanzas del sector opuesto.

En  primer lugar cabe destacar que Cameron es un apasionado de todo lo relacionado con el mar, ya se pudo ver en Abyss, pero especialmente es un enamorado del Titanic y de su historia. Esto puede verse en un documental que hizo en el año 2002 en el cual se intentan explicar las incógnitas que dejó este barco y porque se acabó hundiendo. Por tanto, sabiendo esto, no existen dudas de que todos los escenarios de la película son extremadamente fieles al barco original.

Respecto a la película, voy a empezar hablando del aspecto menos brillante para mi gusto, el guion. La primera parte de la película engloba la historia de cómo se enamoran los dos protagonistas, y es la más floja de todas. Se centran demasiado en todo este romance y dejan aparte el resto de apartados, podrían haber desarrollado algunos otros personajes y no abusar demasiado de Rose y Jack. En la segunda parte de la historia el guion mejora, pero al no haber desarrollado anteriormente algún otro personaje se queda cojo en algunos sentidos, como por ejemplo el capitán o el “novio” de Rose, que podrían haber destacado mucho más y así conocer cómo serían sus reacciones tras el impacto con el iceberg.

El segundo aspecto que quiero considerar es el aspecto técnico. Es simplemente perfecto, apabullante, magnífico, etc… me quedo sin adjetivos. Cameron tiene un talento innato para el tema técnico, y destaca como un maestro. Sin duda esta es su gran virtud. Maneja los tempos de una manera brutal y sabe describir cada detalle en el momento oportuno. Es maravilloso ver cómo va presentando el barco, con una imagen soberbia, y mostrando cada detalle cuándo considera que es necesario, y el tío lo clava. Y tras el impacto con el iceberg todavía destaca más, sobre todo en el manejo de la cámara. Además, por si fuera poco, tras realizar la remasterización mejora la calidad de audio e imagen muchísimo, sin contar el reestreno en 3D de la película, con el mejor 3D no nativo que he visto hasta ahora (lógicamente el mejor 3D nativo es Avatar y Gravity).

Otro aspecto muy importante de la película y que permite que te dejes llevar y disfrutar de ella es la gran banda sonora de James Horner. Gracias a ella puedes disfrutar de la primera parte de la película y mejora todavía más la segunda parte (tras el iceberg).

El aspecto interpretativo es otro donde la película flojea. Realmente ambos protagonistas realizan una buena interpretación, pero se queda ahí. A Leonardo Dicaprio le han puesto como el típico guaperas que atrae al público femenino, y es una pena sabiendo la calidad interpretativa que tiene (y tenía) cuando rodó esta película. Kate Winslet hace un papel muy parecido también, sin embargo le permite lucirse más ya que tiene que lidiar en determinados momentos con su padre y con su “novio” a lo largo de la película, y estas situaciones le permite desplegar sus dotes interpretativas.

Como conclusión, la película en ningún momento se hace lenta ya que cuando flojea un poco se sobrepone por el aspecto técnico y la banda sonora. Los momentos de tensión del barco son los mejores de la película y donde se muestran al 100% las virtudes del director y de los responsables del aspecto técnico.

No puedo darle un 10 debido a que la primera parte me pareció cargante y tal vez sobraran 20 minutos fácilmente, pero tampoco puedo darle una nota baja ya que es una obra cumbre en el cine y una base para muchos realizadores y directores que utilizaron esta tecnología para sus películas. Por tanto mi nota es un 9.

PD: Y sí, los dos cabían en la tabla.

Trayectoria Quentin Tarantino (4ª Parte)

En esta cuarta parte sobre la trayectoria de Tarantino voy a comentar la película Kill Bill. Sí, la película, porque realmente es una película partida en dos debido a la gran duración que tendría si se emitiera en una sola parte.

Aquí Quentin trata el tema de la venganza de Mamba Negra (interpretada por Uma Thurman) contra su exjefe Bill y todos los que trabajan a su cargo, debido a que la intentaron matar el mismo día de su boda. Y toda la película muestra la evolución que va sufriendo el personaje interpretado por Thurman para conseguir estas venganzas y llegar, por último lugar, a Bill.

Para poder analizar e interpretar la película se deben haber visto las dos partes (ya que representan un todo). Si solo visionas la primera parte se queda coja, sobre todo respecto a profundidad del personaje y el conocimiento más psicológico, que se trata más en la segunda parte. También se deben visionar las dos partes para conocer a Bill, la historia que vivieron todos estos asesinos y como acaba su historia.

Hablando sobre Quentin, nuevamente esta película es un capricho que tiene (como el resto básicamente). Se demuestra que nadie puede influir sobre él y sus historias como le ocurren a muchísimos directores cuando se consagra, que simplemente hacen historias simples, vacías y entretenidas para atraer al público y embolsarse un saco de millones y a vivir la vida. Con Tarantino no ocurre esto, hace lo que le da la gana en todo momento, cambia radicalmente los temas a tratar en cada película y tiene muchísima personalidad. Y también se embolsa millones, para que nos vamos a engañar, pero haciendo lo que le gusta.

Comentando un poco más a fondo Kill Bill aparecen características importantes y destacables de Quentin, véase la sangre. Este tema siempre se utiliza para criticarlo y no entiendo porque. ¿Películas violentas porque aparezca sangre? No tiene sentido, si precisamente la muestra de sangre característica suya es ultra exagerada, las escenas de acción son muy exageradas (en términos violentos) para que sea menos real e influyente cara al espectador. Veo más violentas otras películas con el tema de las drogas explícitas y pistolas usadas continuamente, ya que son cosas que pueden verse en la realidad, sin embargo asesinar a alguien con una katana y que salgan diez litros de sangre a lo que te lleva es a reírte por lo absurdo del momento, pero no a aumentar su vena violenta ni muchísimo menos.

Una de las características de la película es la paciencia. El punto clave de las películas. La mamba negra no actúa hasta que está segura de que va a conseguir su venganza, y además de una manera que haga sufrir a la víctima. Quentin se ha licenciado con matrícula de honor en dirigir escenas pacientes, sin prisa. No es necesario que la acción y el movimiento sea continuo, no hay que marear al espectador con continuos giros de cámara ni precipitarse, no hay que llenar la pantalla efectos, lo que hay que conseguir es un equilibrio entre la evolución de los personajes y, en este caso, las batallas con las víctimas. Por ejemplo la escena de la tumba, debería ser una escena imprescindible de estudio para toda academia de cine. Trata muchísimos temas a la vez: el enfoque de la cámara, la mezcla de la música con la tensión, la no precipitación… y todo ello en cuatro minutos. En cuatro jodidos minutos hay más cine que en películas enteras de dos y tres horas. No te cansas de ver una y otra vez la misma escena pues cada vez encontrarás algún detalle que no has visto.

Para finalizar esta cuarta parte simplemente haré un resumen de este artículo: Tarantino vuelve a consagrarse haciendo puro cine, lo que más le gusta a él, y divirtiendo al espectador con su magnífica mezcla de tensión y música en cada momento.

Trayectoria Quentin Tarantino (3ª Parte)

En esta tercera parte de la trayectoria de Tarantino voy a comentar su tercera película, Jackie Brown, y las películas GrindHouse (Death Proof y Planet Terror), dirigidas por Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. También algunos comentarios sobre su faceta de guionista en determinadas películas que no ha acabado dirigiendo. La razón de que dedique menos espacio a estas películas es porque considero no son tan influyentes en su filmografía y son las que menos me han gustado de él.

En primer lugar, Jackie Brown. Se trata de una película cuyo argumento es que una azafata de vuelo hace de intermediaria para el transporte de droga para un contacto del país. Le acaba pillando la policía y llegan a un acuerdo para que les ayude a llegar hasta su jefe. Para ello se rodeó de un elenco más que destacable de actores. Repitió con Samuel L Jackson, contrató a Pam Grier, Robert de Niro, Samuel L Jackson,... Incluso se comenta que De Niro llamó personalmente a Tarantino para ofrecerse a trabajar para él y Tarantino le dijo que no podía pagar el caché de De Niro y él mismo se ofreció a trabajar “gratis”. Nunca se sabrá que pasó ahí.

Cabe destacar que, desde mi punto de vista, es la película más floja de todas las de Tarantino (sin incluir las de Grindhouse). Está adaptada de un libro y hay poco cambio del libro al guion, es como si fuese la menos trabajada en ese aspecto. En los aspectos de dirección y montaje sí que destaca la mano de Tarantino, imposible no darse cuenta de que estamos ante una película suya sabiendo sus clichés y movimientos inconfundibles. Pero tal como digo, la película se queda un poco atrás aunque no deja de ser una buena película, insuficiente para ser quién es.

Por otra parte, las películas de Grindhouse. Realmente son dos películas, pero están concebidas como una sola, aunque para su distribución se hizo en dos partes, algo parecido a lo que ocurriría con Kill Bill. Estas películas son un capricho tanto de Robert como de Quentin al darles ese estilo setentero y antiguo, un homenaje al cine Z y gore (en determinadas ocasiones). Se nota en el aspecto de la película, los diálogos y concatenación de escenas… son muy destacables e identificables esas escenas con las que rememora ese antiguo cine.

Por separar ambas partes de la película, se puede decir que Planet Terror coge gran parte de “El amanecer de los muertos” y Death Proof de “La matanza de Texas” o cualquier película de terror con tintes de serie Z. Son películas bastante escasas en cuanto a calidad y Tarantino se desmarca bastante de su cine más clásico, el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Pasan sin pena ni gloria por el cine y son reconocidas como esto mismo, un tributo al cine clásico que tanto triunfaba en la época y tan buenos ratos ha hecho pasar.

Y por último, me gustaría comentar algunos aspectos respecto a la faceta de guionista de Tarantino. Existen varias películas las cuales no son dirigidas por Quentin pero sí que ha escrito el guion, véase “Asesinos Natos”, “True Romance (Amor a Quemarropa)” y “Abierto hasta el amanecer”. Películas que si hubieran sido dirigidas por Quentin probablemente serían obras de una calidad superior, incluso alguna de ellas sería todo un referente.

Tanto en Asesinos Natos como en True Romance destaca el guion de una manera brillante. Cuando vi True Romance no sabía que el guion era de Tarantino, pero fue la parte que más me gustó de la película, ya que la dirección de Tony Scott deja que desear. Y una vez descubrí que el guion era de Tarantino no pude evitar acordarme de muchas frases y darme cuenta que es cierto, era él.

Nos vemos en la cuarta parte con Kill Bill!

Celda 211

En esta nueva aparición en el blog me voy a atrever con una crítica sobre una película española. Pero no una cualquiera… una película de las grandes del cine español, que demuestra que si se trabaja duro puedes obtener películas muy buenas y que hagan disfrutar al espectador. Hablo de Celda 211.

Cuando van a hacer una película española muchos directores piensan lo mismo: Vamos a coger muchos actores conocidos, que estén de moda, y ya tendremos clientes. El guion me da igual, solo actores buenos. MEC, error. Error y de los gordos, porque así solo consigues unos fans que en cuatro días ya ni te conocerán, porque les gustarán otros actores y otra gente.

¿Qué hizo aquí Daniel Monzón? Juntó a un grupo de grandísimos actores: Luis Tosar, Antonio Resines, Carlos Bardem y Marta Etura. Le añadió un actor novel, Alberto Ammann. Y empezó a trabajar, sin pensar en fans ni en nada. Simplemente darle vueltas a la historia, adaptarla de la mejor manera que pudiera.

Le dio el papel protagonista a Luis Tosar, y el papel secundario a Alberto Ammann. El resto tenían papeles importantes, pero quedan a años luz de estos dos magníficos actores que clavan la actuación y te hacen sentir gran cantidad de emociones.

La película trata sobre un motín en una cárcel, con la mala suerte de que un funcionario nuevo, Alberto Ammann, queda encerrado en este motín. Al verse en este embrollo decide hacerse pasar por un preso para que no le ocurriera nada.

Y la película es casi perfecta. Empiezan a desarrollar la historia lentamente, te van introduciendo las situaciones poco a poco, sin precipitarse. Los detalles son muy importantes, y Daniel Monzón los gestiona muy bien. Y el momento del motín es genial, con Alberto con una soltura en su actuación digna de todo un veterano, hay momentos hasta en los que sobresale por encima de un excelente Luis Tosar, cuya actuación es digna de todos los elogios que puedan existir en el cine español.

Van mezclando bien los momentos de los funcionarios, intentando solucionar la papeleta, con los momentos de los presos y como intentan obtener sus pretensiones. Va viéndose cada vez más química entre los dos protagonistas, van abriéndose entre ellos, van creciendo psicológicamente hablando y llegan a hacerse prácticamente amigos. Es genial la ternura que desprenden, lo que nunca podría pensarse de un Malamadre fuerte y opaco, como era al principio de la película.

Y qué narices… Olé por este cine español. Este es el cine que quiero ver y disfrutar, el cine que todos los españoles estamos orgullosos de hacer y poder exportar al mundo. Dejémonos de historias y apostemos por este cine ya, pero por favor, impidamos “Mentiras y gordas”, “A 3 metros sobre el cielo” y demás películas inútiles que lo único que aportan son derrames cerebrales. Hagamos este tipo de películas, dejémonos de cachas, enseñar camisetas, mostrar sexo explícito y demás chorradas para atraer al público. Hagamos cine de verdad de una puñetera vez, que ya va siendo hora.

Para finalizar, simplemente felicitar a todo el equipo que realizó este proyecto. Decir que es la mejor película española de la historia igual es pasarse, pero entre las tres primeras debería estar. En mi ranking sin duda está.

Mi nota: 9.5/10

Colaboracion Mr.Q: Kick Ass 1-2

Siempre me han gustado las películas de super héroes (algunas más que otras, por si no queda claro tras el primer podcast xD). En esta ocasión me gustaría hablar sobre las películas de Kick Ass.

Básicamente la película trata la historia de Dave Lizewski, un chico normal que decidió convertirse en un superhéroe. Claro la cosa es complicada  ya que aparte de tener que ocultar su identidad ha de enfrentarse al crimen por sus propios medios, no tiene un poder que le ayude ni increíbles vehículos o aparatos. 

También encontramos a la protagonista que es una heroína (¿se considera heroína o antiheroína?) Hit Girl una niña de 12 años que es capaz de matarte con tu propio dedo, va en serio.

Juntos se enfrentan desde a delincuentes corrientes, a capos de la mafia e incluyendo a ¨supervillanos¨ eso sí no siempre les es fácil.

Una de las cosas que más me gustan de estas películas es su nivel de violencia (esos brazos y piernas volando xD) y el factor humano de los protagonistas que llegan a sufrir verdaderos dramas familiares y personales. Y, que demonios? Esas escenas donde realmente piensas que pueden morir en cualquier momento cosa que no ocurre con otros héroes de ficción. También las escenas de humor tienen su aquel xD.

Si tuviera que elegir mi favorita de las 2 sería la primera, por varias razones entre ellas la trama (me parece más seria), por el personaje de ¨Big Daddy¨ ,el ex-agente de policía y padre de Hit Girl, Damon Macready, que reparte mucho cariño como muy bien se ve en una escena (seguro que si buscáis Kick Ass Big Daddy scene battle en youtube os saldrá) y además esta interpretado por Nicolas Cage! Otra de las partes que más me gustan es la escena cuando se conocen Hit Girl y el protagonista, llamadme sádico pero esa escena me encanta xD.

En cuanto a una valoración de ambas películas (ambas producidas por Brad Pitt por cierto) he de decir que son, en mi opinión, unas películas más que recomendables que seguro que te dejan con... ganas de más! (en serio, estoy esperando ya que salga la tercera). Del 1 al 10, un 8,5 y bien merecido además.

Espero que esta crítica os haya gustado y nos vemos en la próxima!

 

Trayectoria Quentin Tarantino (2ª Parte)

Como ya comenté en la primera parte de la trayectoria de Tarantino, tras Reservoir Dogs llegó Pulp Fiction, su ópera prima y una de las mejores películas de la historia.

Resumiría el argumento de la película de manera muy sencilla: Tarantino hace lo que le da la gana. Es así, el maestro Quentin juega con el espectador como él quiere. No sabes dónde estás, que está pasando, que ha pasado antes, que ha pasado después. No sabes nada. Y eso convierte a Pulp Fiction en un juego, un juego magníficamente llevado y que el espectador debe intentar ganarlo. Una tarea muy difícil viendo el encaje de bolillos de Tarantino.

Probablemente al ver la película no te enteres de nada. Esto te hace centrarte más en la película y que no puedas perder ningún detalle. Todos los personajes tienen momentos verdaderamente importantes en la historia, contribuyen al igual que los dos protagonistas, Vicent Vega y Jules Winnfield.

El comienzo te deja la cabeza como un bombo, y al pasar el opening no sabes por donde van. Pero entonces te dejas llevar, es inevitable. El guion es sencillamente espectacular, das gracias que haya aparecido un tipo que consiga hacer disfrutar al espectador con cada frase, gesto y expresión. Todos los diálogos tienen algo, algo que cuando versionas la película por segunda o tercera vez te encaja. Empiezas a hilar la historia y todo cobra sentido, y entonces es cuando te das cuenta de todo y no puedes evitar decir: “Qué cabron Tarantino. Maldito genio”

La aparición del Señor Lobo con sus geniales frases “Soy el señor lobo. Soluciono problemas”, “Estoy a 30 minutos de allí, llegaré en 10” y la archiconocida “No empecemos a chuparnos las pollas” ha sembrado escuela. No hay película que recuerde tenga tantísimas frases tan reconocidas en todos los momentos de la vida. Frases que se utilizan infinidad de veces y que han salido de ahí, de la cabeza de un genio, de la cabeza de Tarantino.

Si con Reservoir Dogs no había quedado claro el dominio de Quentin en la industria del celuloide, en Pulp Fiction se reafirma y ya se convierte en un reconocido director y guionista. Por eso mismo ese año le fue reconocido el premio a mejor guion original (y menos mal, de los más originales nunca vistos). Este premio lo compartió con Roger Avary, que también escribió el guion junto a él.

Esta película no tiene precedentes en cuanto a la maestría de utilización de la gran cantidad de historias cruzadas, los flashbacks, en definitiva, en desubicar al espectador para que no sepa qué está viendo y porqué. Posteriormente habría una película que también realizaría los saltos temporales de una manera brillante, Memento, de un grandísimo director como es Christopher Nolan.

Por último para esta segunda parte me gustaría comentar una faceta de Tarantino que prácticamente tiene en común en todas sus películas, y es su aparición como actor. Suele ser meramente circunstancial, sin tener papel protagonista, véase en Reservoir Dogs, Pulp Fiction y, sobre todo, en Malditos Bastardos. Cabe destacar que cuando ves estas escenas no puedes evitar reírte, lo hace tan sumamente mal que te tienes que descojonar, y eso solo lo consiguen los grandes. A él le da igual que actúe mal (que lo sabe de sobra), pero como le da la gana hacerlo pues lo hace y sale. Memorables esas escenas, las risas que habré tenido con su escena de Pulp Fiction, al igual que con su escena en Django Desencadenado. Grande su cara desencajada. No cambies nunca genio.

Por último, de la misma manera que la primera parte, dejo dos vídeos míticos de Pulp Fiction. El opening con esta canción reconocida hoy en día, pero sobre todo el famoso baile de Uma Thurman y John Travolta. Magníficos.