Her

“Si algo te hace sentir…..es real”

Con HER nos encontramos ante una película perfecta. La mezcla de gran cantidad de géneros junto con la gran calidad de los tres actores principales la convierten en una película muy buena, pero cuando aparece el guion hace que directamente sea la mejor película del año. La más original que he visto nunca.

Hay que decir que es una película con mucho sentimiento y muy sensible. Trata sobre la historia de Theodore, un escritor de  cartas de amor que se enamora de un SO (sistema operativo). Es complicada de ver si vas a la aventura, debes tener claro qué es lo que vas a ver y cómo verlo.

Spike Jonze, director y guionista, consigue realizar una obra maestra que dará que hablar muchos años. La mezcla de drama, ficción y comedia es espectacular. La fotografía mientras transcurre la historia es genial, y el montaje, perfecto.

Para la película se reúne con tres actores de gran renombre, empezando por Joaquin Phoenix, continuando con Scarlett Johansson y acabando con Amy Adams. Phoenix realiza la segunda mejor actuación de su vida tras Gladiator, sin embargo aquí tiene mucho más mérito debido a que tiene todo el peso de la película sobre él. Scarlett no aparece en toda la película, simplemente está su voz (eso sí, imprescindible verla en Versión Original) pero consigue cautivar al espectador y hacerte sentir y reflexionar sobre las situaciones. En los momentos que más destaca su interpretación es cuando tiene momentos “íntimos” con Theodore. Espectacular como demuestra sus sentimientos. Amy Adams realiza una convincente actuación donde se denotan los sentimientos hacia su gran amigo Theodore. Entre ellos siempre quedará algo.

Se muestra de una manera lenta, pero necesaria, la evolución del protagonista. Como empieza echando de menos a su ex-pareja y cambia su vida cuando se enamora del SO que compra. Ahí empiezan a aparecer una serie de sentimientos que ya no puede parar. Va cambiando su vida poco a poco para amoldarse a Samantha (Scarlett Johansson) al estar loco por ella.

En la cinta se muestra claramente una crítica a la sociedad. ¿Qué divide a lo real de lo irreal? ¿Cuándo debemos considerar que estamos en un terreno imposible? ¿Todo lo que te haga sentir se convierte en real? ¿Eres raro por enamorarte de un aparato tecnológico? Todas estas preguntas, y más, aparecerán en tu mente. Y te puedo asegurar que su respuesta no es lo que imaginamos, va mucho más allá. Y para ello, no debes perderte esta maravilla. Ayuda a reflexionar sobre la sociedad en general, ¿hacia dónde nos dirigimos? ¿Queremos realmente eso?

Hay muchos momentos increíbles que nunca se me olvidarán. Me viene a la cabeza la escena cuándo ella le está dirigiendo por la calle, disfrutando ambos del momento, haciendo sentir real al mismísimo sistema operativo. Pero la mejor escena, sin duda, la escena final. Como acaban ambos protagonistas resignándose, sin poder hacer nada, habiendo sido abandonados por sus sistemas operativos. Aquí sí que se muestra el mensaje claro: NO podemos fiarnos de la tecnología, debemos orientar nuestra vida desde nuestra realidad y nunca desde la de los aparatos tecnológicos.

Concluyendo, preciosa película que todos debemos ver una vez en la vida. Phoenix perfecto, con una Scarlett espectacular sin aparecer en pantalla. No podrás evitar emocionarte en muchísimas escenas.

Mi nota: Un 9.8. No le pongo el 10 porque el final me parece un tanto agresivo y precipitado. Sin embargo es la mejor película que he visto en los últimos años. Insuperable.

Ocho apellidos vascos

En esta nueva entrada vuelvo con la película de moda del cine español, la que ya se ha convertido en la más taquillera de la historia en España: Ocho apellidos vascos.

Hay que destacar que la película no me atraía nada, pero tras ver la infinidad de opiniones positivas y comentarios de la gente me decidí a verla. Está claro que el boca a boca ha aupado a la cinta a los altares del cine español, junto con la agresiva publicidad de parte de Mediaset.

Al verla me queda un sabor agridulce. La parte de comedia está bien, además Dani Rovira parece hecho aposta para el papel, cuadrando una magnífica interpretación. Sin embargo, se ha sobrevalorado la película como ocurriría hace ya años con Avatar, en ese caso debido a los efectos especiales, y en este caso debido a la comedia.

Empecemos por los actores. Como ya he dicho, Dani Rovira lo borda. Es graciosísimo y siempre te descojonas con él, todo lo que hace está bien hecho, se le nota su vena monologuista para cosechar una actuación casi perfecta. Pero no todo podía ser bonito, y ahí aparece Clara Lago. Queda eclipsada por Dani Rovira, pero además es que no acaba de hacerlo bien. Aporta belleza, simpatía y erotismo, pero ahí queda su actuación, no hay nada más destacable. No te ríes prácticamente nunca con ella.

La dirección es correcta. Siempre incido en la unión de escenas y en que no haya saltos bruscos, y aquí lo hacen bien. Tal vez en la primera media hora ocurra en un par de ocasiones, pero no molesta y es incluso necesario. También es importante el toque dramático y de superación de los personajes, aquí está muy bien hecho y dirigido. Tiene escenas muy parecidas a: “El otro lado de la cama”, y guarda cierto parecido la película, seguramente porque el director es el mismo.

Luego está la historia de amor. Bien, aquí no hay sorpresa ninguna, no se han calentado la cabeza. No voy a contar lo que ocurre, pero es lo que siempre pasa. Originalidad cero en este aspecto. “Imposible ser más previsible”

Realmente poco más que destacar de la película, pero voy a realizar algunos comentarios sobre la publicidad de la película.

Tras verla no puedo evitar pensar porque tanta gente piensa que la película es perfecta, maravillosa, etc… Esto me da a entender que la gente es muy influenciable. Porque sí, la película está bien, pero no pasa del notable. Es una comedia bien hecha, como debería ser siempre, pero que incide demasiado en los tópicos vascos y andaluces. Toda la cancha que le están dando los favorece económicamente, pero cinéfilamente los está perjudicando (aunque supongo que no les importará al verse los bolsillos llenos de dinero). 

"Una mayor taquilla no garantiza una mejor película". Y esta frase queda clara viendo que las películas más vistas del cine español son "Torrente" y sus secuelas.

Concluyendo, buena película con un Dani Rovira que soporta todo el peso de la película. Película sobrevalorada de una manera que no entiendo.

Mi nota: 7

The Amazing Spiderman 2: El poder de Electro

En esta nueva entrada voy a comentar “Amazing Spiderman 2: El poder de Electro”

Es importante dejar claro que nos encontramos ante una película de acción. O eso nos quieren hacer creer, porque de acción tiene tres escenas contadas que no llegan ni a los veinte minutos, cuando la película dura más de dos horas. Parece más "Romeo y Julieta" que Spiderman.

Voy a empezar por los actores. Andrew Garfield no me gusta nada, siempre pone cara de estreñido y no sabes si está triste, enfadado, alegre o simplemente tiene gases y no los puede soltar. Las mejores interpretaciones son cuando se pone la máscara y el traje de Spiderman. Luego está Emma Stone, que estamos de acuerdo en que es preciosa, pero sus interpretaciones son muy limitadas. En sus escenas de amor (casi todas, para que engañarnos) actúa de manera correcta, sin embargo en las escenas importantes de la trama no se la cree nadie, véase la escena final, que parece ella la superheroina y no él. Además el personaje que le ponen a ella no ayuda para nada, se supone que es la más lista de la carrera y la mitad de veces parece la típica tonta de instituto con el carpesano forrado de los Backstreet Boys.

Ahora paso a comentar la acción. Ya he dicho antes que tiene poca, pero la poca que tiene al menos está bien (que menos con el inmenso presupuesto del que disponen). Me gustan las escenas donde Spiderman está “viajando” por la ciudad y, sobre todo, las apariciones de Electro. Se disfrutan muchísimo. Un punto a favor de la película.

Por otra parte están Spiderman y su “personalidad”. No se cómo será el cómic, pero me parece un cachondeo que Spiderman esté siempre con sus gracietas y tonterías cuando se va a enfrentar a un villano, se han pasado de una manera exagerada con esta característica de Spiderman. Un poco está bien, pero es abusivo el uso de las bromitas.

Luego están los villanos. Han querido dar espectacularidad a la película y han metido demasiados malos. Si ya cuesta darle personalidad y carácter a solo uno pues imaginaos a tres. Lo único que consiguen es que todos queden cojos, sobre todo Rhino que aparece tres minutos y ni se sabe quién es ni de dónde viene. A Electro menos mal que al menos se le conoce algo, pero los cambios bruscos de personalidad que sufre ni se enseñan ni se explican, no es creíble.

Al que más desarrollan es al Duende Verde y me parece un acierto, se va viendo como cada vez se hace más oscuro y porqué nace su odio hacia Spiderman. La evolución del personaje está muy bien dirigida e interpretado por el actor, sin embargo no todo podía ser bueno. Al sobrecargar de villanos la película, es descojonante ver al Duende Verde durante apenas unos minutos hasta que Spiderman acaba con él. Encima que lo habéis desarrollado de putísima madre, ¡aprovechadlo más!

Luego está la historia de amor. Es interminable e insufrible. No hay química entre los dos actores, eso lo ven ellos, lo ve el director y lo vemos todos (y eso que son pareja en la vida real). Si sabes que no congenian bien pues lo tienes fácil, no abuses de esta historia. Y aquí abusan, y además mucho. La película parece más “The Loving Spiderman” que "The Amazing Spiderman". Es más larga esta historia que todo el desarrollo de Spiderman y de los malos, y eso no puede ocurrir en una película de acción nunca.

También aparece una historia relacionada con el padre de Peter Parker. En la película muestran algunas escenas, junto con un secreto que oculta. La evolución de esta historia y como Peter se va dando cuenta  de las cosas es patético. No se entera de nada en toda la película y, de repente, hila cabos y se da cuenta de todo por tres frasecitas que le suelta Tía May, sin siquiera ser consciente de ello. No era necesario esto, sobra totalmente.

Concluyendo, estamos ante una película decente. El abuso del amor cansa y aburre, al igual que el sobrecargar de villanos la película y la soporífera historia del padre. Aun así, me gustan las escenas de acción (imprescindible para este tipo de cine) y la evolución de personalidad del Duende Verde.

Mi nota: Un 5.5. Mejora a la primera parte, aunque se queda lejos de ser una película buena.

PD: Curioso que la mejor escena de la película sea la escena post-créditos. ¿Qué ocurrirá entre Spiderman y los X-men? Muchas ganas de ver qué saldrá de ahí.

Capitán América: El soldado de invierno

En esta nueva crítica voy a hablar sobre la segunda parte de Capitán Ameríca: el soldado de invierno.

Tengo que decir que tras ver la primera parte me sentí defraudado, no transmite nada en ningún momento, es muy lenta y la manera de llevar la historia no es acertada. Me decidí a ver esta segunda parte ya que no me atraía nada más en la cartelera y, la verdad, me gustó.

En cuanto a guion e historia nos encontramos ante una buena película. Tiene historia, no como la primera, y va avanzando de manera correcta. Empieza poco a poco para luego al final acelerar el ritmo, por eso nos encontramos ante una primera parte con un buen desarrollo pero la segunda está un poco precipitada y se produce una bajada de la calidad del guion.

Los efectos especiales son muy buenos. Se nota que es donde han invertido gran parte del presupuesto, aparte de en Chris Evans y Scarlett Johansson. Nunca se nota ningún punto flaco en los efectos y, al menos yo, no he observado fallos de croma en ningún momento. Estas escenas están muy bien rodadas, siempre sabes qué está ocurriendo y no se marea al espectador con constantes giros de cámara o cambios de escena.

La actuación de los actores es decente. El hecho de que Chris Evans salga todo el rato en camiseta marcando músculo no es necesario, nos quieren transmitir que es muy fuerte y puede con todo, pero no hace falta hacerlo así. Scarlett Johansson está mejor que Evans, en esta película la veo hasta con carácter, y el director acierta al no mostrar constantemente sus curvas o su culo para atraer al espectador. Y menos mal, porque en caso contrario la gente no se enteraría de la película.

Luego están Samuel L Jackson y Robert Redford. Es importante destacarlos pues el papel que desempeñan es trascendental en la historia. Me ha gustado la interpretación de Redford, la verdad no esperaba que estuviera tan bien en una película de este tipo. Además mantiene la compostura ante las sorpresas que depara la película, donde él es el punto clave.

Por otra parte, nos encontramos con momentos dramáticos. O eso al menos quieren transmitir. Y ahí flojea muchísimo la película. La relación entre Capitán América y el Soldado de invierno no está bien hecha, prácticamente no muestran antecedentes y todo está muy precipitado. Lo podrían haber explotado mucho más para hacer sentir algo al espectador, sin embargo las ganas que te dan es de que Capitán América lo mate y se acabe todo.

También hay muchos errores, comunes todos ellos en películas de superhéroes. ¿Por qué no pueden recibir ningún rasguño? Es acojonante ver como los fríen a tiros, granadas, etc… y nunca consiguen nada, ni una sola herida. Siempre escapando de todo. Solamente sufre con el máximo enemigo, el jefe de los malos. Esto deberían hacérselo mirar y basarse un poco en “El caballero oscuro” donde realmente sufría el protagonista y se veía en situaciones muy difíciles.

La última parte de la crítica la voy a dedicar a las historias de amor. ¡Menos mal que aquí es corta! Se nota a leguas el feeling que existe entre el Capitán y su “vecina”, interpretada por Emily Vancamp (guapísima, por cierto). En este caso no se sobreexceden en ellos dos mostrando continuamente miradas, tonteos, etc… Y esto consigue aumentar la calidad de la película.

Mi nota: 7. La segunda mejor película de Marvel tras “Los vengadores”.

PD: Muy bueno el final y la escena post-créditos. Quedan muchas películas de Marvel aun.

Wall-E

Tras una semana de parón (sí, ha sido menos tiempo del previsto) regreso con un análisis/crítica de mi película favorita: Wall-E.

Podría estar horas hablando sin parar de ella, cada minuto transmite algo. En todo momento ocurre algo que te hace ver que estás ante una gran obra del cine actual, una maravilla visual que además consigue hacerte ver la cruda realidad hacia la que nos dirigimos.

Empecemos por uno de los aspectos más notorios: el visual. Aquí se cumple el dicho “una imagen vale más que mil palabras” y además en muchísimos momentos de la película. Gracias a estos efectos visuales consigue asombrar al público en la primera parte de la película, donde prácticamente no se dice ninguna palabra, lo cual es muy muy difícil. Te dejas arrastrar por los maravillosos efectos y no puedes dejar de mirar la pantalla.

Otro aspecto importante es el guion. Mucho más complejo que la mayoría del cine. La primera parte de la película tiene un guion muy pulido y no se ve ninguna fisura ni ningún error. El hecho de que no haya diálogos lo hace todavía más difícil debido a que tiene que mantener al espectador en el asiento y mucha gente sin diálogos se aburre. En la segunda parte de la película el guion baja un poco la calidad al centrarse la película más en la moral de la gente de la nave y no influir tanto sobre Wall-E y Eva.

El trabajo de dirección y montaje es inmenso. Lo mejor de toda la película. Ya conocíamos a Andrew Stanton en otras dos películas de Pixar: Bichos y Buscando a Nemo. En Bichos se le ve novato y débil, pero en Buscando a Nemo ya se le nota una madurez y un tacto perfecto para este tipo de cine. Y directamente en Wall-E se corona con su mejor película y muy difícil de superar. Veremos qué tal le va con “Buscando a Dory”, con el estreno previsto para 2016. Y el montaje es perfecto, no permite al espectador despistarse ni marearse, lo que ocurre cuando hay flashbacks o saltos muy bruscos de escena.

El valor emocional que se tiene en Wall-E es apabullante. Las historias de amor en películas de animación son muy complejas. Se ha intentado infinidad de veces, juntando a humanos, animales, etc… pero prácticamente nunca se conseguía transmitir lo que se consigue aquí. Juntar a Wall-E, un robot tonto y muy influenciable, con Eva, una robot totalmente opuesta a Wall-E, segura de sí misma y con mucho carácter. Sin mediar palabra entre ellos, más allá de los nombres, cada segundo que pasa va aumentando la tensión y el amor entre ellos, llegando a hacer que Wall-E cuidara de ella en todo momento hasta cuando se pasa un tiempo “apagada”. Sin duda una de las historias de amor más emocionantes de todos los tiempos.

Una película que enamora y despierta sentimientos ocultos en los corazones de todos los espectadores. Quien necesita diálogos cuando con una concatenación de escenas puedes sentir tristeza, ternura, amor, empatía,… Pero lo que más consigue Wall-E, aparte de todos los momentos maravillosos, es una profunda reflexión de la sociedad.

Concluyendo, una película que nunca olvidarás y que te basarás en ella en muchos momentos de tu vida. Esta sí que es una historia de amor, mucho más real que los Crepúsculos varios que hay en pantalla, y con personajes ficticios. Esto lo convierte en una película perfecta a la par que maravillosa.

No se la pierdan. Si no la han visto no se a que están esperando. Si ya la han visto, vuelvan a disfrutarla. Eso sí, preparaos para llorar. Tras el Rey León, esta será la segunda película con la que seguro llorarán.

Mi nota: Un 10 del tamaño del Empire State. La mejor película de Pixar hasta la fecha.

Los miserables

En este nuevo análisis sobre cine voy a comentar la película de “Los miserables”, la versión de 2012.

Esta nueva versión de Los Miserables está dirigida por Tom Hooper, el cual eligió un reparto espectacular. Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway como las grandes estrellas y Samantha Barks como la actriz novel (elegida para este papel por la gran actuación que hace en el musical “The Miserables”).

La representación de los actores es muy destacable. Empezando por Anne Hathaway, la mejor actuación, realmente emociona y consigue despertar tu vena triste y empatizar con ella. Hugh Jackman es el que está detrás de ella en cuanto a la calidad de la actuación, se le nota suelto y además cumple cuando canta. Russell Crowe es el que más flojea, no se le nota muy centrado en la película, tal vez porque no domine el aspecto musical y esté algo nervioso. Luego están Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter, que cada vez que aparecen destacan mucho y se les nota muy cómodos en las escenas musicales, se nota que saben lo que están haciendo gracias a la experiencia que ya tienen en las películas musicales. Pero aun así, la que más me gusta es Samantha Barks, la cual es realmente cantante y se nota muchísimo, la que domina cada escena en la que canta.

La película, en general, está bastante bien. Lo mejor es la historia en sí, aunque es igual que el famoso musical “The Miserables” basado en un libro, pero aun así el guion y la historia está bien. El hecho de que las canciones se canten en directo y no en estudio es también un gran acierto. Lo que ya no está muy correcto es el director, Tom Hooper. Se le nota muy abusón de los planos cortos, cada vez que hay alguna canción utiliza muchísimos planos cortos para intentar mostrar el sentimiento de cada uno de los actores, pero sobran más de la mitad. También flojea al intentar todo el rato dominar la cámara, lo que acaba sobreponiéndolo y no consiguiendo este dominio que sí tienen otros directores, y por ello son unos grandes. Considero que Tom está situado en el tercer escalón de los grandes directores del cine actual.

El aspecto artístico es de lo mejor que he visto. Los escenarios están muy bien hechos y representados, está muy bien escenificado para una película que no está basada en la actualidad. Y mención especial para el diseño de vestuario, que lo ha llevado un español (Paco Delgado) y que lo hizo tan bien que estuvo a punto de llevarse el Oscar ese mismo año.

Para quien no conozca Los Miserables voy a contar un poco de que va la historia. En los Miserables se junta la política, el pueblo, la justicia y la religión. Trata de mostrar una historia de superación del pueblo francés ante represión a la que están sometidos, y para ello muestra la historia de Jean Valjean, el cuál es uno de los esclavos que tiene el pueblo francés. Es decir, se muestra la gran diferencia que hay entre las clases altas y el pueblo, que prácticamente no puede ni comer.

Concluyendo, nos encontramos ante una buena película y bien resuelta, sin embargo Tom Hooper tiene los mismos defectos que ya mostraba en “El discurso del Rey”.

Mi nota: Un 7.5 muy merecido, si Tom Hooper no tuviera estos defectos tendría un 9 fácilmente.

Trayectoria Quentin Tarantino (5ª Parte)

En esta quinta (y penúltima) parte sobre la trayectoria de Tarantino voy a analizar Malditos Bastardos, película donde Tarantino reinventa lo ocurrido en la segunda guerra mundial con Hitler y los judíos.

El argumento de la película tiene dos partes diferencias: la venganza de Shosanna Dreyfus, que ve como un coronel nazi asesina a su familia, y el ataque al bando alemán por un grupo de judíos liderado por el teniendo Aldo Raine (el cual no es judío). Pero ambas partes tienen en común el mismo objetivo: Matar a Hitler.

Odio parecer repetitivo, pero es que es inevitable ante una película de Tarantino. Nuevamente domina con una maestría tremenda la dirección de la película, sin dar lugar a altibajos en todo momento. Empieza la película con una escena desgarradora y acaba la película de la misma manera. Lo más destacable es la evolución que ha conseguido Quentin en el aspecto artístico, una de las partes que no realizaba de manera perfecta (aunque sí muy notable) y aquí consigue evolucionar hasta casi la perfección.

En esta película, al ya tener Quentin una fama consagrada en el cine mundial, consigue rodearse de un reparto magnífico, comandado por Brad Pitt y Christoph Waltz, y seguido por Michael Fassbender, Diane Kruger, Eli Roth y Mélanie Laurent.

Hasta ahora no había comentado prácticamente nada en el resto de artículos sobre las actuaciones de los actores, y esto es porque hasta esta película no consigue sobresalir de manera destacable ningún actor (mentira, en Pulp Fiction el papel de Samuel L Jackson es terrible), pero en esta película nos encontramos con la aparición de un actor que ya es de los mejores actores en activo del mundo: Christoph Waltz.

Grandísimo descubrimiento que ha conseguido Quentin al elegir a este actor, además con el papel de villano, a lo que le doy todavía más valor. Waltz con el papel del coronel Landa consigue, literalmente, dar asco. Te dan unas ganas de estrangularlo y hacerle sufrir en todo momento que aparece en pantalla con su arrogancia, nula empatía y su disfrute matando gente. Y todo esto lo consigue por su perfecta interpretación (un 10 se queda corto), reconocida con la infinidad de premios que se llevó ese año. Además de Waltz también es de agradecer ver a Brad con una interpretación buena, acorde a su personaje, y no interpretando papeles facilones para atraer al público femenino.

Analizando más a fondo la película hay dos temas muy destacables: el guion y el aspecto técnico. No es nuevo saber que los guiones de Tarantino son siempre un diamante en bruto, analiza cada detalle para cuadrar sus ideas. Por intenet puede encontrarse el guion original (creo que hasta hay un libro de él), echad un vistazo y descubriréis lo perfecto y meticuloso que es al escribir. Nunca me cansaré de los largos diálogos en sus películas, sin duda su plato fuerte junto con el aspecto técnico.

En la técnica es destacable el montaje de la película. No es nada fácil mezclar dos historias diferenciadas cuyo final es el mismo, hay que tratarlo bien para que no maree al espectador y no sepa cómo avanzan las historias (lo cual ocurre en Man of Steel, entre otras), y estudiar muy bien los caminos para que al final acaben "juntándose" estas historias. También cuida mucho los detalles técnicos en los cambios de planos mostrando lo que desea mostrar, sin abusar en las escenas de acción con giros de cámara.

Concluyendo, no es la mejor película de Tarantino, sin embargo sí que es en la que se muestra mayor evolución en la técnica. Es muy buena cinta y hay que destacar la perfecta actuación de Waltz y la gran mezcla entre los temas bélicos, comedia y ficción (no olvidemos que la historia es inventada).

Trayectoria Quentin Tarantino (4ª Parte)

En esta cuarta parte sobre la trayectoria de Tarantino voy a comentar la película Kill Bill. Sí, la película, porque realmente es una película partida en dos debido a la gran duración que tendría si se emitiera en una sola parte.

Aquí Quentin trata el tema de la venganza de Mamba Negra (interpretada por Uma Thurman) contra su exjefe Bill y todos los que trabajan a su cargo, debido a que la intentaron matar el mismo día de su boda. Y toda la película muestra la evolución que va sufriendo el personaje interpretado por Thurman para conseguir estas venganzas y llegar, por último lugar, a Bill.

Para poder analizar e interpretar la película se deben haber visto las dos partes (ya que representan un todo). Si solo visionas la primera parte se queda coja, sobre todo respecto a profundidad del personaje y el conocimiento más psicológico, que se trata más en la segunda parte. También se deben visionar las dos partes para conocer a Bill, la historia que vivieron todos estos asesinos y como acaba su historia.

Hablando sobre Quentin, nuevamente esta película es un capricho que tiene (como el resto básicamente). Se demuestra que nadie puede influir sobre él y sus historias como le ocurren a muchísimos directores cuando se consagra, que simplemente hacen historias simples, vacías y entretenidas para atraer al público y embolsarse un saco de millones y a vivir la vida. Con Tarantino no ocurre esto, hace lo que le da la gana en todo momento, cambia radicalmente los temas a tratar en cada película y tiene muchísima personalidad. Y también se embolsa millones, para que nos vamos a engañar, pero haciendo lo que le gusta.

Comentando un poco más a fondo Kill Bill aparecen características importantes y destacables de Quentin, véase la sangre. Este tema siempre se utiliza para criticarlo y no entiendo porque. ¿Películas violentas porque aparezca sangre? No tiene sentido, si precisamente la muestra de sangre característica suya es ultra exagerada, las escenas de acción son muy exageradas (en términos violentos) para que sea menos real e influyente cara al espectador. Veo más violentas otras películas con el tema de las drogas explícitas y pistolas usadas continuamente, ya que son cosas que pueden verse en la realidad, sin embargo asesinar a alguien con una katana y que salgan diez litros de sangre a lo que te lleva es a reírte por lo absurdo del momento, pero no a aumentar su vena violenta ni muchísimo menos.

Una de las características de la película es la paciencia. El punto clave de las películas. La mamba negra no actúa hasta que está segura de que va a conseguir su venganza, y además de una manera que haga sufrir a la víctima. Quentin se ha licenciado con matrícula de honor en dirigir escenas pacientes, sin prisa. No es necesario que la acción y el movimiento sea continuo, no hay que marear al espectador con continuos giros de cámara ni precipitarse, no hay que llenar la pantalla efectos, lo que hay que conseguir es un equilibrio entre la evolución de los personajes y, en este caso, las batallas con las víctimas. Por ejemplo la escena de la tumba, debería ser una escena imprescindible de estudio para toda academia de cine. Trata muchísimos temas a la vez: el enfoque de la cámara, la mezcla de la música con la tensión, la no precipitación… y todo ello en cuatro minutos. En cuatro jodidos minutos hay más cine que en películas enteras de dos y tres horas. No te cansas de ver una y otra vez la misma escena pues cada vez encontrarás algún detalle que no has visto.

Para finalizar esta cuarta parte simplemente haré un resumen de este artículo: Tarantino vuelve a consagrarse haciendo puro cine, lo que más le gusta a él, y divirtiendo al espectador con su magnífica mezcla de tensión y música en cada momento.

Trayectoria Quentin Tarantino (3ª Parte)

En esta tercera parte de la trayectoria de Tarantino voy a comentar su tercera película, Jackie Brown, y las películas GrindHouse (Death Proof y Planet Terror), dirigidas por Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. También algunos comentarios sobre su faceta de guionista en determinadas películas que no ha acabado dirigiendo. La razón de que dedique menos espacio a estas películas es porque considero no son tan influyentes en su filmografía y son las que menos me han gustado de él.

En primer lugar, Jackie Brown. Se trata de una película cuyo argumento es que una azafata de vuelo hace de intermediaria para el transporte de droga para un contacto del país. Le acaba pillando la policía y llegan a un acuerdo para que les ayude a llegar hasta su jefe. Para ello se rodeó de un elenco más que destacable de actores. Repitió con Samuel L Jackson, contrató a Pam Grier, Robert de Niro, Samuel L Jackson,... Incluso se comenta que De Niro llamó personalmente a Tarantino para ofrecerse a trabajar para él y Tarantino le dijo que no podía pagar el caché de De Niro y él mismo se ofreció a trabajar “gratis”. Nunca se sabrá que pasó ahí.

Cabe destacar que, desde mi punto de vista, es la película más floja de todas las de Tarantino (sin incluir las de Grindhouse). Está adaptada de un libro y hay poco cambio del libro al guion, es como si fuese la menos trabajada en ese aspecto. En los aspectos de dirección y montaje sí que destaca la mano de Tarantino, imposible no darse cuenta de que estamos ante una película suya sabiendo sus clichés y movimientos inconfundibles. Pero tal como digo, la película se queda un poco atrás aunque no deja de ser una buena película, insuficiente para ser quién es.

Por otra parte, las películas de Grindhouse. Realmente son dos películas, pero están concebidas como una sola, aunque para su distribución se hizo en dos partes, algo parecido a lo que ocurriría con Kill Bill. Estas películas son un capricho tanto de Robert como de Quentin al darles ese estilo setentero y antiguo, un homenaje al cine Z y gore (en determinadas ocasiones). Se nota en el aspecto de la película, los diálogos y concatenación de escenas… son muy destacables e identificables esas escenas con las que rememora ese antiguo cine.

Por separar ambas partes de la película, se puede decir que Planet Terror coge gran parte de “El amanecer de los muertos” y Death Proof de “La matanza de Texas” o cualquier película de terror con tintes de serie Z. Son películas bastante escasas en cuanto a calidad y Tarantino se desmarca bastante de su cine más clásico, el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Pasan sin pena ni gloria por el cine y son reconocidas como esto mismo, un tributo al cine clásico que tanto triunfaba en la época y tan buenos ratos ha hecho pasar.

Y por último, me gustaría comentar algunos aspectos respecto a la faceta de guionista de Tarantino. Existen varias películas las cuales no son dirigidas por Quentin pero sí que ha escrito el guion, véase “Asesinos Natos”, “True Romance (Amor a Quemarropa)” y “Abierto hasta el amanecer”. Películas que si hubieran sido dirigidas por Quentin probablemente serían obras de una calidad superior, incluso alguna de ellas sería todo un referente.

Tanto en Asesinos Natos como en True Romance destaca el guion de una manera brillante. Cuando vi True Romance no sabía que el guion era de Tarantino, pero fue la parte que más me gustó de la película, ya que la dirección de Tony Scott deja que desear. Y una vez descubrí que el guion era de Tarantino no pude evitar acordarme de muchas frases y darme cuenta que es cierto, era él.

Nos vemos en la cuarta parte con Kill Bill!

Celda 211

En esta nueva aparición en el blog me voy a atrever con una crítica sobre una película española. Pero no una cualquiera… una película de las grandes del cine español, que demuestra que si se trabaja duro puedes obtener películas muy buenas y que hagan disfrutar al espectador. Hablo de Celda 211.

Cuando van a hacer una película española muchos directores piensan lo mismo: Vamos a coger muchos actores conocidos, que estén de moda, y ya tendremos clientes. El guion me da igual, solo actores buenos. MEC, error. Error y de los gordos, porque así solo consigues unos fans que en cuatro días ya ni te conocerán, porque les gustarán otros actores y otra gente.

¿Qué hizo aquí Daniel Monzón? Juntó a un grupo de grandísimos actores: Luis Tosar, Antonio Resines, Carlos Bardem y Marta Etura. Le añadió un actor novel, Alberto Ammann. Y empezó a trabajar, sin pensar en fans ni en nada. Simplemente darle vueltas a la historia, adaptarla de la mejor manera que pudiera.

Le dio el papel protagonista a Luis Tosar, y el papel secundario a Alberto Ammann. El resto tenían papeles importantes, pero quedan a años luz de estos dos magníficos actores que clavan la actuación y te hacen sentir gran cantidad de emociones.

La película trata sobre un motín en una cárcel, con la mala suerte de que un funcionario nuevo, Alberto Ammann, queda encerrado en este motín. Al verse en este embrollo decide hacerse pasar por un preso para que no le ocurriera nada.

Y la película es casi perfecta. Empiezan a desarrollar la historia lentamente, te van introduciendo las situaciones poco a poco, sin precipitarse. Los detalles son muy importantes, y Daniel Monzón los gestiona muy bien. Y el momento del motín es genial, con Alberto con una soltura en su actuación digna de todo un veterano, hay momentos hasta en los que sobresale por encima de un excelente Luis Tosar, cuya actuación es digna de todos los elogios que puedan existir en el cine español.

Van mezclando bien los momentos de los funcionarios, intentando solucionar la papeleta, con los momentos de los presos y como intentan obtener sus pretensiones. Va viéndose cada vez más química entre los dos protagonistas, van abriéndose entre ellos, van creciendo psicológicamente hablando y llegan a hacerse prácticamente amigos. Es genial la ternura que desprenden, lo que nunca podría pensarse de un Malamadre fuerte y opaco, como era al principio de la película.

Y qué narices… Olé por este cine español. Este es el cine que quiero ver y disfrutar, el cine que todos los españoles estamos orgullosos de hacer y poder exportar al mundo. Dejémonos de historias y apostemos por este cine ya, pero por favor, impidamos “Mentiras y gordas”, “A 3 metros sobre el cielo” y demás películas inútiles que lo único que aportan son derrames cerebrales. Hagamos este tipo de películas, dejémonos de cachas, enseñar camisetas, mostrar sexo explícito y demás chorradas para atraer al público. Hagamos cine de verdad de una puñetera vez, que ya va siendo hora.

Para finalizar, simplemente felicitar a todo el equipo que realizó este proyecto. Decir que es la mejor película española de la historia igual es pasarse, pero entre las tres primeras debería estar. En mi ranking sin duda está.

Mi nota: 9.5/10

Colaboracion Mr.Q: Kick Ass 1-2

Siempre me han gustado las películas de super héroes (algunas más que otras, por si no queda claro tras el primer podcast xD). En esta ocasión me gustaría hablar sobre las películas de Kick Ass.

Básicamente la película trata la historia de Dave Lizewski, un chico normal que decidió convertirse en un superhéroe. Claro la cosa es complicada  ya que aparte de tener que ocultar su identidad ha de enfrentarse al crimen por sus propios medios, no tiene un poder que le ayude ni increíbles vehículos o aparatos. 

También encontramos a la protagonista que es una heroína (¿se considera heroína o antiheroína?) Hit Girl una niña de 12 años que es capaz de matarte con tu propio dedo, va en serio.

Juntos se enfrentan desde a delincuentes corrientes, a capos de la mafia e incluyendo a ¨supervillanos¨ eso sí no siempre les es fácil.

Una de las cosas que más me gustan de estas películas es su nivel de violencia (esos brazos y piernas volando xD) y el factor humano de los protagonistas que llegan a sufrir verdaderos dramas familiares y personales. Y, que demonios? Esas escenas donde realmente piensas que pueden morir en cualquier momento cosa que no ocurre con otros héroes de ficción. También las escenas de humor tienen su aquel xD.

Si tuviera que elegir mi favorita de las 2 sería la primera, por varias razones entre ellas la trama (me parece más seria), por el personaje de ¨Big Daddy¨ ,el ex-agente de policía y padre de Hit Girl, Damon Macready, que reparte mucho cariño como muy bien se ve en una escena (seguro que si buscáis Kick Ass Big Daddy scene battle en youtube os saldrá) y además esta interpretado por Nicolas Cage! Otra de las partes que más me gustan es la escena cuando se conocen Hit Girl y el protagonista, llamadme sádico pero esa escena me encanta xD.

En cuanto a una valoración de ambas películas (ambas producidas por Brad Pitt por cierto) he de decir que son, en mi opinión, unas películas más que recomendables que seguro que te dejan con... ganas de más! (en serio, estoy esperando ya que salga la tercera). Del 1 al 10, un 8,5 y bien merecido además.

Espero que esta crítica os haya gustado y nos vemos en la próxima!

 

Trayectoria Quentin Tarantino (2ª Parte)

Como ya comenté en la primera parte de la trayectoria de Tarantino, tras Reservoir Dogs llegó Pulp Fiction, su ópera prima y una de las mejores películas de la historia.

Resumiría el argumento de la película de manera muy sencilla: Tarantino hace lo que le da la gana. Es así, el maestro Quentin juega con el espectador como él quiere. No sabes dónde estás, que está pasando, que ha pasado antes, que ha pasado después. No sabes nada. Y eso convierte a Pulp Fiction en un juego, un juego magníficamente llevado y que el espectador debe intentar ganarlo. Una tarea muy difícil viendo el encaje de bolillos de Tarantino.

Probablemente al ver la película no te enteres de nada. Esto te hace centrarte más en la película y que no puedas perder ningún detalle. Todos los personajes tienen momentos verdaderamente importantes en la historia, contribuyen al igual que los dos protagonistas, Vicent Vega y Jules Winnfield.

El comienzo te deja la cabeza como un bombo, y al pasar el opening no sabes por donde van. Pero entonces te dejas llevar, es inevitable. El guion es sencillamente espectacular, das gracias que haya aparecido un tipo que consiga hacer disfrutar al espectador con cada frase, gesto y expresión. Todos los diálogos tienen algo, algo que cuando versionas la película por segunda o tercera vez te encaja. Empiezas a hilar la historia y todo cobra sentido, y entonces es cuando te das cuenta de todo y no puedes evitar decir: “Qué cabron Tarantino. Maldito genio”

La aparición del Señor Lobo con sus geniales frases “Soy el señor lobo. Soluciono problemas”, “Estoy a 30 minutos de allí, llegaré en 10” y la archiconocida “No empecemos a chuparnos las pollas” ha sembrado escuela. No hay película que recuerde tenga tantísimas frases tan reconocidas en todos los momentos de la vida. Frases que se utilizan infinidad de veces y que han salido de ahí, de la cabeza de un genio, de la cabeza de Tarantino.

Si con Reservoir Dogs no había quedado claro el dominio de Quentin en la industria del celuloide, en Pulp Fiction se reafirma y ya se convierte en un reconocido director y guionista. Por eso mismo ese año le fue reconocido el premio a mejor guion original (y menos mal, de los más originales nunca vistos). Este premio lo compartió con Roger Avary, que también escribió el guion junto a él.

Esta película no tiene precedentes en cuanto a la maestría de utilización de la gran cantidad de historias cruzadas, los flashbacks, en definitiva, en desubicar al espectador para que no sepa qué está viendo y porqué. Posteriormente habría una película que también realizaría los saltos temporales de una manera brillante, Memento, de un grandísimo director como es Christopher Nolan.

Por último para esta segunda parte me gustaría comentar una faceta de Tarantino que prácticamente tiene en común en todas sus películas, y es su aparición como actor. Suele ser meramente circunstancial, sin tener papel protagonista, véase en Reservoir Dogs, Pulp Fiction y, sobre todo, en Malditos Bastardos. Cabe destacar que cuando ves estas escenas no puedes evitar reírte, lo hace tan sumamente mal que te tienes que descojonar, y eso solo lo consiguen los grandes. A él le da igual que actúe mal (que lo sabe de sobra), pero como le da la gana hacerlo pues lo hace y sale. Memorables esas escenas, las risas que habré tenido con su escena de Pulp Fiction, al igual que con su escena en Django Desencadenado. Grande su cara desencajada. No cambies nunca genio.

Por último, de la misma manera que la primera parte, dejo dos vídeos míticos de Pulp Fiction. El opening con esta canción reconocida hoy en día, pero sobre todo el famoso baile de Uma Thurman y John Travolta. Magníficos.

Trayectoria Quentin Tarantino (1ª Parte)

Estreno en el blog un especial dedicado a la trayectoria de Quentin Tarantino. Esporádicamente iré haciendo una serie de especiales, bien tratando sagas, directores, o un conjunto de películas del mismo tema.

En este especial pretendo plasmar la trayectoria de Tarantino en el cine y como han influido sus películas en la historia cinematográfica.

Quentin Tarantino se ha convertido en todo un referente en el cine mundial. ¿A quién no le han preguntado alguna vez quienes son los directores preferidos y más grandes del cine?, ¿y quién no ha pensado en Tarantino ante esta pregunta? Sin duda alguna es uno de los grandes en Hollywood y ojalá no deje de dirigir y escribir películas, al igual que el maestro Spielberg y el genio Scorsese.

Empezó su reconocimiento mundial con Reservoir Dogs, una película donde el guion es el gran soporte de la historia, que además es original. La dirección llevada en esta película es magistral, y consiguió dar un portazo gracias a esta película en el Hollywood de entonces. De esta película se recuerdan muchas escenas como escenas para aprender a grabar buen cine, mantener los tempos, mezclar la música sin que destroce la historia. Todo esto lo realiza de una manera muy elegante Tarantino.

¿Cómo no recordar la famosa escena con la mención a “Like a Virgin” de Madonna? ¿O con la propina del bar? Y estas dos ocurren en las dos primeras escenas de la película, no hay que esperar más. Al visualizar estas escenas ya estás domado por Tarantino y debes seguir viéndola, no puedes apartarte de la pantalla.

El argumento de la película no parece complicado; un grupo de ladrones idean un plan para robar unos diamantes. Durante el robo descubren que hay un traidor que colabora con la policía y tratan de averiguar cuál es.

Tras las dos escenas iniciales del bar, Tarantino mete los créditos presentando a los personajes. Uno de los openings más imitados del cine (junto a los famosos de James Bond), con una música eternamente reconocida.

Y tras estos créditos empieza una sucesión de escenas, flashbacks, botes atemporales, etc… Unas de las cosas que más miedo dan al emprender una película y que Tarantino lleva como sello de identidad, los famosos flashbacks.

Muchísimas escenas se recuerdan de esta película, sin embargo la escena de la tortura llevada a cabo por Mr. Blonde (Señor Rubio) muestra un temple y una paciencia de grabación pocas veces vista, mimando cada segundo de la escena y cuidando la fotografía en todo momento. Y la mezcla con la música la convierte en la mejor escena de la película. No he vuelto a ver mejor actuación de Michael Madsen en todo lo que he visto de él.

Es admirable la mano que tiene el director estadounidense. Su manera de contar las películas es espectacular, mareando al espectador en todo momento y haciéndote pensar en todos los segundos del filme donde estás y qué escena es la que ha ocurrido antes y después. Aun así, al haber acabado la película no puedes evitar reflexionar unas horas para intentar hilar en tu mente el orden temporal, y no consiguiendo atar todos los cabos hasta que realizas un segundo, tercer, cuarto o enésimo visionado de la cinta.

Ya empezaba a verse que un mago del cine emergía en el cine mundial, que entraba para quedarse y convertirse en un referente mundial en no mucho tiempo.

Y dos años después llegó su película más reconocida y considerada una de las diez mejores películas de la historia según la revista Empire, Pulp Fiction.

Con esta película directamente entra en el altar del cine. Se consagra y deja su listón a un nivel prácticamente insuperable, y no superado por ninguna otra de sus películas. Con Pulp Fiction consigue crear unos cánones del cine que gran cantidad de personas intentarían imitar y fracasarían estrepitosamente, pocos se pueden asemejar al magistral Tarantino y a su mágica batuta con la que dirige su cine.

Nos vemos en la segunda parte!

Aquí dejo dos de los grandes momentos de Reservoir Dogs. ¡No os perdáis uno de los mejores openings de la historia!

El llanero solitario

En esta entrada realizaré la crítica del remake de El llanero solitario, dirigida por Gore Verbinski.

En la presentación de la película, al igual que en toda la promoción que hicieron, remarcaron  infinitas veces que se trataba de los mismos productores que Piratas del Caribe. Cuando en cualquier película inciden muchísimo en estos temas no se puede evitar pensar que no han dado la talla y tienen que promocionarla de esta manera tan agresiva.

Con este run-run en el cerebro me dispuse a ver la película. Tras ver la película debo decir que es una película muy divertida y entretenida. Hay cantidad de momentos que se pasan rapidísimos y divierten en gran cantidad al espectador, sin embargo esto se debe a los abusivos efectos especiales. Hay tantísimos efectos especiales que no han podido evitar que muchos de ellos fallen, sobre todo porque todos están grabados en croma y en varias escenas se nota claramente que lo que hay es un croma y no lo han sabido disimular.

Me parece genial hacer una película llena de efectos, pero hay que tratarlos bien. Hay que darles profundidad y hacer creer al espectador que estás en las montañas, en el mar o donde sea. En este caso, al estar mal hechos, te hacen salir de la película. Me recuerda a otra película, también relacionada con Disney; Oz, un mundo de fantasía. Al igual que en esta, todo está rodado en croma, y se nota muchísimo la falta de profundidad.

Los dos papeles protagonistas son correctos, sobre todo Johnny Depp. Se nota que le han dicho que intente parecerse muchísimo a su espectacular papel en Piratas del Caribe, las bromas y los movimientos son idénticos. No puedes evitar compararla con la trilogía del Caribe, y en ese caso esta película sale totalmente perjudicada ya que está peor dirigida y peor tratada.

En la promoción también enseñan siempre el papel de Helena Bonham Carter, que realmente en la película su papel es totalmente insignificante, no aporta nada cuando sale y tampoco es importante en la historia, simplemente está ahí para dar caché. Seguramente enchufada por Johnny Depp.

Lo mejor de la película es la escena final del tren, divertidísima, llena de guiños y muy bien hecha. Se nota que han centrado la gran mayoría de esfuerzos en esta escena, la mejor de la película. Además recupera la canción original, que junto con esta escena hace de una de las mejores escenas del año.

Y lo peor es que dura demasiado. Las dos horas y quince minutos son excesivas. Simplemente con quitar esos quince minutos sería mejor película.

Concluyendo, la película es puro blockbuster de verano. Si no se notara en tantas escenas el croma sería mejor. Tal vez un mes más de trabajo en postproducción hubiera bastado. Recomendable para pasar un buen rato y divertirte.

Mi nota: 7

Elysium

En esta entrada voy a comentar la película Elysium. Primero de todo decir que esta crítica está plagada de SPOILERS, quien quiera ver la película sin saber nada de la historia no debe leer mi crítica.

El argumento, a priori, es prometedor. Estamos en el futuro, la tierra está destrozada y fuera de la tierra hay una especie de estación espacial llamada “Elysium” donde vive alguna gente con toda la tecnología y todos los lujos posibles.

La película está llena de sinsentidos. Está todo lleno de tecnología avanzadísima, incluso una especie de cápsula que te cura hasta todo tipo de cánceres, sin embargo en la tierra está todo hecho un desastre, los coches son más antiguos que los actuales, etc… Podría parecer que la tecnología se la guardasen en “Elysium” y en la tierra no llevaran ninguna, pero no… tienen multitud de chips e instalaciones plagadas de superordenadores, chips hasta que pueden leer las mentes y que transfieren información, pero luego ves todo hecho un desastre y con coches tipo ranchera que poco más y se caen a trozos.

Idean un plan para sacar la información sobre “Elysium” a un dirigente, que está en la tierra para controlar su empresa. Consiguen extraerle la información e introducírsela en un chip que tiene el personaje de Matt Damon en el cerebro. Tras esto va a su jefe, le lee la información y le pide: “No abandones la tierra, necesitamos esa información”. Vamos a ver, ¿para qué tanta tecnología si no eres capaz ni de copiar los datos que tienes en una especie de chip/usb?

Por otra parte, no falta la famosa historia de amor entre el protagonista y una chica. Esta historia sobra en toda la película, no aporta nada más que entorpecer los planes del personaje (como en todas las películas de acción que hay historias de amor). ¿Qué manía tienen en Hollywood en meter historias de amor en todas las películas de acción/ciencia ficción? Si es que en las que no están estas escenas han salido mejor, véase la primera parte de Venganza de Liam Neeson. Y bueno, también está la típica escena de que el personaje está muriéndose y se pone a hablar con la chica. Sobra totalmente.

En el final de la película cogen y se cargan al personaje de Jodie Foster, una especie de ministra de “Elysium”. Un personaje que pasa sin pena ni gloria, pero que bien lo remarcan en todas las promociones de películas y en el cartel de la película. Hay por lo menos tres personajes que aparecen más, pero bueno… hay que promocionar que está una actriz conocida. Sin obviar que la muerte es patética, va ahí a pecho descubierto a hablar con un subordinado suyo que está medio loco…sin ninguna seguridad.

Aun así la película tiene aspectos positivos. Uno de ellos es la crítica a la sociedad mundial respecto a las diferencias que hay entre los poderosos y el pueblo llano, y a lo que puede llegar a ocurrir en un futuro, con unos cuantos viviendo en el paraíso y los más pobres sufriendo y siendo prácticamente esclavos del poder. También las actuaciones de los dos personajes protagonistas son buenas, Matt Damon y Sharlto Copley. Matt Damon domina en todas las escenas, ya se conoce su faceta como gran actor de acción en la saga de Bourne, y aquí no se queda atrás. Si no fuera por él la película pasaría sin pena ni gloria.

Finalizando, la película como película de acción está muy bien y es muy entretenida. Olvídate de los problemas en el guion y la disfrutarás. Los fallos no serían grandes fallos si explicasen el porqué. Simplemente con contar que desde “Elysium” les destruirían si encuentran la tecnología sería suficiente, sin embargo eso es mi suposición y no cuentan absolutamente nada.

Mi nota: 7.5/10